Von Dildos in Brusttaschen zu schmerzhaften postkolonialen Wahrheiten – ein PAF Abend in Berlin

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Samstag Nachmittag 17 Uhr, gefühlte 32 Grad, draußen scheint die Sonne, drinnen wedeln sich ca. 10 Menschen Luft zu und lassen sich von Bridge Marklands Lecture Performance King-ing the Drag in der Brotfabrik eine Geschichtslektion erteilen.

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Zwischen den einzelnen Abschnitten ihrer Drag-Performance vermitteln unterhaltsame Anekdoten ein Gefühl für die Anfänge der Drag Szene der 90er in Berlin und New York. Beschämte Gesichter müssen mehrfach verneinen; von Diane Torr haben viele im Publikum noch nie was gehört und auch bei den GlamRock Bands der Siebziger versagen einige (Autorin eingeschlossen).

Durch die Fragerunde im Anschluss an Vortrag und Performancefragmente entsteht ein Austausch zwischen Menschen verschiedener Generationen, sexueller Identitäten und kultureller Hintergründe.

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Ist Queer ein „state of mind“ und keine automatische Konsequenz sexuellen Begehrens? Wie hat sich die Szene durch Professionalisierung aber auch durch die Verdrängung und Schließung diverser Spielstätten verändert? Wo kreuzen und inspirieren sich Drag im Alltag und auf der Bühne wechselseitig?

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Nach einer kurzen Verschnaufpause geht’s weiter an die Spree. Im Radialsystem präsentierten Judith Sánchez Ruíz und Edivaldo Ernesto ein energiegeladenes Tanzstück (und auch heute sind die beiden dort mit einem anderen Stück zu sehen).

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Duette und Soli wechseln sich rasant ab, die live gemischte elektronische Musik von Thomas Proksch gibt den Puls vor. In Noise ist alles perfekt abgestimmt, das Licht, die Outfits – und dennoch sind viele der schnellen Bewegungen improvisiert.

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Der Bewegungsreichtum lässt die vielfältigen tänzerischen Hintergründe der beiden Künstler_innen erkennen: von filigranen Handchoreographien hinzu imposanten Kraftübungen ist alles dabei.

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Das Tempo der fast einstündigen Ganzkörperschnappatmung ist stellenweise überwältigend. Die spärlichen Requisiten, im wesentlichen Zeitungen und ein Tisch, vor allem aber Auszüge einer Rede von Professor Patrick Loch Otieno Lumumba aus dem Jahr 2015 zu Bürgerkriegen und Identitätskrisen des afrikanischen Kontinents geben den Zuschauer_innen ein Gerüst.

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Spätestens durch die provokant ungeschönte Rede wird deutlich was zumindest ein Thema des Stücks ist. Ohne direkte Erwähnung von Rassismus oder Kolonialismus, kommt dennoch die Tragik der Entwicklung seit den anti-kolonialen Befreiungskriegen (nonverbal) zur Sprache. Auch wenn das Postkoloniale den Berliner Kulturraum zur Zeit enorm prägt, die derzeitige BerlinBiennale ist nur das aktuelleste Beispiel für diesen begrüßenswerten Trend, ändert das nichts daran, dass die meisten Ausstellungsbesucher_innen oder Theatergänger_innen insgeheim doch ganz froh sind nicht allzu oft in ihren Zeitungen oder newsfeeds mit der harschen Realität eines Teil des afrikanischen Kontinents konfrontiert zu werden. Ein bisschen Kolonialerinnerung oder -ästhetik lässt sich in jedem Fall einfacher verdauen als ein Hinweis auf die brutale Jetztzeit, deren Komplexität eine Suche nach Schuldigen und eine eigene Positionierung erheblich erschwert. Die Frage nach der Identität einer jungen afrikanischen Generation ist ebenfalls eine seltene auf europäischen Bühnen und gehört doch auch dringend hierher.

 

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Das Medium Tanz, in Verbindung mit den Theater-, Music-, und Toncollageelementen, vermag diese Realität vielfach vermittelt und gebrochen spürbar zu machen. Wer sich auf die Bewegungen und das Wechselspiel von Licht und Klang einlässt, kann in diesen wunderschönen und beeindruckenden Bewegungen Andeutungen auf Verdrängtes, Äußerungen von Widerstand und Wut und die Spuren eines andauernden Kampfes aber auch Zärtlichkeit, Trauer und Hoffnung erkennen.

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Es lohnt sich in Zukunft nach Auftritten der zwei Tänzer_innenin in Berlin Ausschau zu halten, auf das nächste PAF müssen wir ja wieder ein Jahr warten.

©Zeichnungen Oliver Thie

© Thie/Thaa productions

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Let them Stride and Quiver!

Dieser Artikel ist das erste gemeinschaftliche Erzeugnis der © Thie/Thaa Productions. Wenn’s gefällt, kommt an dieser Stelle vielleicht bald mehr!

This article is the first joint product by © Thie/Thaa Productions. If you like it, there might be more soon!

I simply can’t resist to start this with a personal anecdote, if you’re not interested skip this first paragraph. So, I have followed Trajal Harrell’s work for a while now, one of my first posts on this blog was about one of his pieces. I was completely unaware, however, that some of his more recent work was premiering in Berlin yesterday. On my bike, headed to WAU for a drink, I see HAU’s minimalistic posters with his name on them. While I stop to think, a completely panicked Trajal Harrell runs past me. Like a true fan I chase him on my bike just to find out that not only is he looking for a jug 20 minutes prior to the beginning of the show but that same show is also completely sold out. I was lucky enough to get in anyway, thanks to whoever got sick or simply forgot to go! Anyhow, I am not a very superstitious person, but this felt kind of like fate, just sayin‘. Now to the performance:

In the Mood for Frankie is rich of allusions, ranging from what looked like a group of tiny koi carps to Wong Kar-Wai’s movie In the Mood for Love. This does not mean that one has to be an expert in Voguing, Butoh or fashion to have access to this work. Harrell offers symbols and hints, but even as a complete cultural illiterate one can still take enough from the sheer movement, sound and visual art.

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Almost all dance styles Harrell combines so seamlessly have a rebellious, dissident dimension. With butoh it’s particularly the dark element, but also its strong historical connection to the exploration of different sexualities. And so once again, Harrell manages to create a space where femininity and masculinity meet and thereby dissolve. Harrel’s work is Queerness at ist best, not outside of popculture but always pointing to something way beyond it, combining vulnerability and strength, self-care and outrageousness.

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The Japanese word „butoh“ originally meant European ballroom dancing, how fitting then that the dancer Ondrej Vidlar’s body basically screams ballroom dancing with (almost) every step he takes. His physique forms a stark contrast to Thibault Lac’s figure, seemingly destined to do Drag. Harrell is in some way a mixture of these two, but he also adds his own extremely expressive face and quiver. Ooh, the quiver. Quivering not just with antici – – pation but with actual fear, fear of things to come but maybe even more fear inflicted by countless wounds and grievances.

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It’s this simultaneity of fragility and coyness, flirting and shaking at the same time, that left me utterly bedazzled. If I were in any position to, I would wish for a nation of shaking Drag Queens and Kings, radiating confidence and anguish at once. Isn’t that what dance is all about: turning pain into joy and beauty through movement? Dancing on my own, with just a scrap of cloth held to my chest is enough to turn me into a Diva – isn’t that the whole point?

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The minimalistic but ingenious fashion choices and the  beautiful stage also helped, but really it’s all about this double nature, particularly pertinent to this piece’s subject of artist and muse.

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Like in psychoanalysis, there are no coincidences in Harrell’s work, so most likely there’s something to be said about the fact that Sade was prominently featured in the fabulous as always soundtrack and that de Sade was an important influence in Butoh dancing. Why not make up your own connection?

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The actual crying, sobbing and silent screaming did not quite do it for me, maybe that’s due to my lack of Butoh-connoisseurship. Somehow, it doesn’t seem necessary or maybe even distracting from the emotions conveyed by the expressive bodies. That said, I did cry during the show.

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The two shows tonight are sold out but Harrell will be spending more time in Berlin this year, so keep your eyes and ears open, you can’t always get as lucky as I did yesterday!

In the Mood for Frankie was conceived during Harrell’s two-year Annenberg Research Commission Residency project In one step are a thousand animals at the Museum of Modern Art, New York, where it premiered already in 2016. For more check out Trajal Harrell’s website if my enthusiasm was contagious.

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Volontary homework: If you don’t feel like googling Butoh: The Weeknd Belong to the World, not the most amazing song but an impressive video,which even deals with the same topic as Harrell’s piece: muses and their status in art, how they never belong to an artist even if the relationship artist – muse is most commonly perceived as an intensely hierarchical and gendered one.

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Performance-Drawings by artist Oliver Thie!

For more explorations of movement, but also of insects, check this out:

http://www.oliverthie.de/thiemoment.html

Photo: © Paula Court

„Der Botschafter“ von Gintersdorfer/Klaßen im HAU – Demütigungstherapie in Dur

der_botschafter_01Botschafter und Theater: Zwei Experten der Repräsentation trafen gestern im HAU 2 aufeinander: Während für den Botschafter die Repräsentation zu den essentiellsten Aufgaben zählt, wie es die Schauspielerin Anne Tismer gleich zu Beginn des Abends in einer lässigen musikalischen (!) Einlage darlegt, sieht es das Theater im Berlin des 21. Jahrhunderts mit der Repräsentation nicht mehr ganz so eng. Weiterlesen