Let them Stride and Quiver!

Dieser Artikel ist das erste gemeinschaftliche Erzeugnis der © Thie/Thaa Productions. Wenn’s gefällt, kommt an dieser Stelle vielleicht bald mehr!

This article is the first joint product by © Thie/Thaa Productions. If you like it, there might be more soon!

I simply can’t resist to start this with a personal anecdote, if you’re not interested skip this first paragraph. So, I have followed Trajal Harrell’s work for a while now, one of my first posts on this blog was about one of his pieces. I was completely unaware, however, that some of his more recent work was premiering in Berlin yesterday. On my bike, headed to WAU for a drink, I see HAU’s minimalistic posters with his name on them. While I stop to think, a completely panicked Trajal Harrell runs past me. Like a true fan I chase him on my bike just to find out that not only is he looking for a jug 20 minutes prior to the beginning of the show but that same show is also completely sold out. I was lucky enough to get in anyway, thanks to whoever got sick or simply forgot to go! Anyhow, I am not a very superstitious person, but this felt kind of like fate, just sayin‘. Now to the performance:

In the Mood for Frankie is rich of allusions, ranging from what looked like a group of tiny koi carps to Wong Kar-Wai’s movie In the Mood for Love. This does not mean that one has to be an expert in Voguing, Butoh or fashion to have access to this work. Harrell offers symbols and hints, but even as a complete cultural illiterate one can still take enough from the sheer movement, sound and visual art.

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Almost all dance styles Harrell combines so seamlessly have a rebellious, dissident dimension. With butoh it’s particularly the dark element, but also its strong historical connection to the exploration of different sexualities. And so once again, Harrell manages to create a space where femininity and masculinity meet and thereby dissolve. Harrel’s work is Queerness at ist best, not outside of popculture but always pointing to something way beyond it, combining vulnerability and strength, self-care and outrageousness.

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The Japanese word „butoh“ originally meant European ballroom dancing, how fitting then that the dancer Ondrej Vidlar’s body basically screams ballroom dancing with (almost) every step he takes. His physique forms a stark contrast to Thibault Lac’s figure, seemingly destined to do Drag. Harrell is in some way a mixture of these two, but he also adds his own extremely expressive face and quiver. Ooh, the quiver. Quivering not just with antici – – pation but with actual fear, fear of things to come but maybe even more fear inflicted by countless wounds and grievances.

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It’s this simultaneity of fragility and coyness, flirting and shaking at the same time, that left me utterly bedazzled. If I were in any position to, I would wish for a nation of shaking Drag Queens and Kings, radiating confidence and anguish at once. Isn’t that what dance is all about: turning pain into joy and beauty through movement? Dancing on my own, with just a scrap of cloth held to my chest is enough to turn me into a Diva – isn’t that the whole point?

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The minimalistic but ingenious fashion choices and the  beautiful stage also helped, but really it’s all about this double nature, particularly pertinent to this piece’s subject of artist and muse.

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Like in psychoanalysis, there are no coincidences in Harrell’s work, so most likely there’s something to be said about the fact that Sade was prominently featured in the fabulous as always soundtrack and that de Sade was an important influence in Butoh dancing. Why not make up your own connection?

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The actual crying, sobbing and silent screaming did not quite do it for me, maybe that’s due to my lack of Butoh-connoisseurship. Somehow, it doesn’t seem necessary or maybe even distracting from the emotions conveyed by the expressive bodies. That said, I did cry during the show.

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The two shows tonight are sold out but Harrell will be spending more time in Berlin this year, so keep your eyes and ears open, you can’t always get as lucky as I did yesterday!

In the Mood for Frankie was conceived during Harrell’s two-year Annenberg Research Commission Residency project In one step are a thousand animals at the Museum of Modern Art, New York, where it premiered already in 2016. For more check out Trajal Harrell’s website if my enthusiasm was contagious.

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Volontary homework: If you don’t feel like googling Butoh: The Weeknd Belong to the World, not the most amazing song but an impressive video,which even deals with the same topic as Harrell’s piece: muses and their status in art, how they never belong to an artist even if the relationship artist – muse is most commonly perceived as an intensely hierarchical and gendered one.

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Performance-Drawings by artist Oliver Thie!

For more explorations of movement, but also of insects, check this out:

http://www.oliverthie.de/thiemoment.html

Photo: © Paula Court

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Das Gespenst des Nationalismus

Mit Belgian Rules/Belgium Rules will Jan Fabre keine Geschichte des Nationalismus, sondern “eher eine über seine völlige Abwesenheit” erzählen. Der Titel ist Programm: Belgian Rules/Belgium Rules steckt das Spannungsfeld zwischen soziokulturellen Phänomenen und politischen Verstrickungen ab – angeordnet nicht in einer Chronologie, sondern viel mehr in einer Neben- (bzw. Nach) einanderstellung verschiedener Aspekte. Ein sich durchziehendes Motiv sind beispielsweise Reenactments einer Reihe ausgewählter Gemälde belgischer Künstler von Jan van Eyck über Paul Delvaux zu René Magritte. Gleich zu Beginn wird, in Anlehnung an Letzteren, ein Blickwinkel auf die Geschichte eines Landes und einer Nation vorgeschlagen: „Ceci n‘est pas un pays“. So wie Magrittes Pfeife keine Pfeife ist, ist Belgien auch kein Land, sondern lediglich eine Darstellung eines Landes. Und so wie der Phoenix aus der Asche steigt, erhebt sich Belgien aus Kohle, Pommes und rotem Ziegelstein, um sich Stück für Stück zu einer pausenlosen Abfolge opulenter Bilder zusammensetzen zu lassen – 42 Szenen, 14 Kapitel und knapp 4 Stunden lang.

Im Stakkato folgt Szene auf Szene, in harten Brüchen und mit einigen sich wiederholenden Motiven, die zu roten Fäden in der Materialschlacht werden: Denn der Einsatz von Konfetti, Nebelmaschinen, Bierduschen, nackter Körper und üppiger Kostüme ist immens. Allein der Bühnenboden zeugt von unumgänglicher Zeitlichkeit: Konfetti und Bierlachen häufen sich – ganz im Gegensatz zu den Performenden, die zu jeder Szene in neuem Glanz erscheinen; ganz so, als wären dem noch keine Karnevalsparade oder Ausdauersport-Einheit vorrausgegangen. Die 15 Performenden wechseln stetig die Rollen, sind lebendige Bilder, sprechen, spielen, tanzen, musizieren, feiern, trinken und pinkeln – alles, was die Performance-Palette eben hergibt.

Ja, es wird viel gefeiert. Die Belgian Rules umfassen zum einen die Darstellung und Entzauberung bestimmter Traditionen und Bräuche. Jedes Fest, jede Parade mündet im Rausch. Mal lustvoll, mal überheblich oder gar gewaltvoll. Neben dem öffentlichen Exzess des Karnevals und der Paraden, öffnen sich im Hintergrund der Bühne wiederholt die Türen der schweren Schränke, aus denen die freie Sexualität schreitet – immer lasziv und etwas obszön. Der christliche Blick darauf drückt fest beide Augen zu und beweihräuchert die Pein der Sündigen – und das eigene Vergehen. Zum anderen werden die Belgian Rules  in drei Abschnitten unter den Vorzeichen „It is forbidden“, „It is obliged“ und „It is possible“ vielsprachig beim Ausdauersport zum Besten gegeben. Eine lange Kette absurder Verbote, Gebote und Wünsche an eine bessere Welt. So dann auch das Abschlusskapitel des Abends: Parallel zu der Chorographie von Nationalflaggen der belgischen, flämischen, wallonischen und deutschen Regionen, wird deren Vereinigung mit den visionären und oftmals naiv daherkommenden Wünschen an das Mögliche verbunden. Dann, zum grand-final, schwenken alle Performenden als Friedenstauben die weißen Fahnen: Die Vereinigung Belgiens wird zum Frieden insgesamt. Und so wird die frohe Botschaft verkündet: „Rule number 40: It is possible to be Belgian!“

belgian rules1Ist das also die Abwesenheit von Nationalismus?

Zu dem Gegenstück – Belgium Rules – führt Fabre zwei Schwergewichte in den Ring: Belgische Profite im internationalen Waffenhandel sowie die koloniale Vergangenheit und deren (Nicht-)Aufarbeitung. Im Reenactment Peter Paul Rubens Gemäldes „Het pelsken“ („Der Pelz“) stehen sieben Performerinnen auf der Bühne und tragen unter ihren Pelzmänteln nichts außer Maschinengewehren, die sie immer wieder auf das Publikum richten. Dabei erzählen sie kokett von der belgischen Zurückhaltung im globalen Kriegsgeschehen und rechnen die Gewinne vor, die Belgien minutengenau während der Dauer dieser Szene für den Waffenhandel verbucht. Hier funktioniert der trockene Ton des Zynismus, mit dem Fabre das ein oder andere ruhmlose Kapitel Belgiens aufschlägt. Nicht so jedoch, wenn es zu dem Kapitel „On Catholicism and Congo“ kommt. Hier wird unter anderem der „Carnival Dance of Les Noirauds de Bruxelles“ getanzt – ein Erbstück des Kolonialismus. Zwar wird die mangelnde Aufarbeitung kolonialer Vergangenheit und somit eine Fortführung rassistischer Strukturen und Praktiken benannt. Dies geschieht jedoch mittels deren Replikation – hin bis zum Blackfacing. Die Debatten um den Zwarte Piet, die die Weihnachtsbräuche Belgiens und der Niederlanden als rassistisch entlarven, zeigen, dass Bilder und Figuren nicht ohne deren Entwicklungsgeschichte gedacht und praktiziert werden können. Auch wenn sicherlich nicht dort erfunden, hat das Blackfacing seinen offiziellen Ursprung im Theater der Minstrel Shows des 19. Jahrhunderts. Und auch wer es heute zum Ziel hat, das (weitgehend weiße) Publikum sich selbst vorzuführen, tritt in eine rassistische Tradition, wenn aus weißer Positionierung heraus, das Blackfacing für die ausschließlich weißen Performenden verwandt wird. Der Versuch die Unzulänglichkeiten der postkolonialen Aufarbeitungen darzustellen, fällt hier ins Leere. Oder anders gesagt: er trifft auf sich selbst – denn dies ist Beispiel unzulänglicher Aufarbeitung.

Belgian Rules/Belgium Rules will ironisch und zynisch sein, will entlarven. Die Fundstücke werden dann bildmächtig aufgearbeitet, sind aber häufig vor allem platt. Kritik an Politik, Korruption und nationaler Selbstdarstellung, verschwimmen in Bierströmen, Karnevalsprozeduren, Ausdauersport und Nacktheit. Dies als Abwesenheit von Nationalismus zu feiern kann nur aus einer privilegierten Position heraus funktionieren. Ja, Belgien wird auf die Schippe genommen, aber es ist nur ein Belgien. Es ist das Belgien der Weißen, das mit nationalen Symbolen Schabernack treiben kann. Aber am Ende geht die Rechnung nicht auf, wenn aus Symbolen der nationalen Einigkeit eine belgische Utopie des Friedens wird – denn Nein, Regel Nr. 40 ist nicht wahr: Es ist nicht möglich Belgier zu sein. Denn die Schattenseite Fabres Aussage „Belgien ist aus dem Theater geboren, und Theater soll es bleiben“, ist, dass die Darstellungsmacht sich als Belgier*in zu inszenieren, eben doch sehr limitiert ist.

© Wonge Bergmann

 

Bewegung in der Freien Szene: Tag 2 der Nachwuchsplattform beim Performing Arts Festival

Nach dem heutigen Auftakt geht es morgen mit der Nachwuchsplattform auf dem Performing Arts Festival weiter.

Auch am zweiten Tag des Festivals bespielt der Nachwuchs die größeren Häuser der Freien Szene Berlins: Wer möglichst überall hineinschnuppern will, kann zwischen den Sophiensælen, dem Ballhaus Ost und dem HAU pendeln. Es bleibt so divers wie schon am ersten Tag: Installationen, Vorträge, musikalische Performances und Tanz stehen zur Auswahl. Weiterlesen

Performing Arts Festival Berlin: 6 Tage lang 279 x Freie Szene – followed by Unruhe im Oberrang

Am Montag, den 23.5. geht’s los: Das größte Festival der Freien Szene Berlins startet mit über 120 Produktionen in 279 Veranstaltungen. „Festival der Superlative“ schwärmt die taz.

Unruhe im Oberrang goes Festival!

Wir finden: Das ist ein angemessener Rahmen für die Vielfalt der Berliner Freie Szene. Deshalb ist Unruhe im Oberrang dieses Jahr Medienpartner und Unterstützerin des Festivals. Wir helfen den neugierigen Besucher_innen mit Infos&Tipps und begleiten kritisch das Festivalprogramm mit Tagesvorschauen, Kommentaren, Kurzkritiken auf Facebook und Twitter.

Schon die Spielorte des Festivals sind eine Attraktion: Von der Willner-Brauerei bis zur Studiobühne Alte Feuerwache gibt’s Kiezatmosphäre zu schnüffeln. Selten öffnen mit über 50 Spielorten so viele Kunsträume ihre Türen, um die Arbeits- und Lebenswelten Berliner Künstler_innen zu zeigen. Sogar in eine Privatwohnung im Prenzlberg werden die Besucher_innen gelockt. Alle Spielstätten finden sich hier.

Wo soll ich bloß anfangen?

Gäbe es das Programm mit Ankündigungstexten als Buch, ließen sich damit Ratten erschlagen, so breit und vielfältig ist die Auswahl an Veranstaltungen. Auf der PAF-Website findet Ihr hier das Programm. Um damit fertig zu werden und Orientierung zu bieten, veröffentlichen wir jeden Tag Vorschauen auf die spannendsten Events des folgenden Tags. Wichtig zu wissen ist außerdem: Das Festival besteht aus drei Teilen:

1. Der Nachwuchsplattform vom 23. bis 25. Mai.
2. Dem rauschenden Festivalfest am Donnerstag, den 26. Mai.
3. Dem extravaganten Hauptteil, der auch für internationales Publikum geeignet ist, vom 27. bis 29. Mai.

Das heißt also, während der ersten drei Tage kann sich jede_r langsam ans Festivalhoppen herantasten, um dann am Donnerstag wild zu feiern und sich dann mit dem Wochenendprogramm von morgens bis abends den Rest zu geben.

Was passiert morgen?

Hauptspielstätten der Nachwuchsplattform vom 23.-25. Mai sind der Theaterdiscounter, das Ballhaus Ost und das HAU2. Also ab ins Zentrum! Schon am ersten Abend wird das ganze Spektrum präsentiert: Tanz, Solotheater, Publikumsbeteiligung – alles dabei.

1. In Admission to a new reality – Eintritt in eine neue Realität experimentieren die Zeitbanditen* and friends mit Intimität, auf und vor der Bühne des Ballhaus Ost (19 Uhr). Die Frage des Abends: Was könnte ein Glaube sein jenseits von Religion?

2. Oder lieber doch in den Theaterdiscounter? Hier erforschen Sunia Asbach und Darko Radosavljev in Federn lassen choreographisch Bewegungsqualitäten und – dynamiken: Auch hier geht’s um Intimität, aber auch um Sperrigkeit. Eine Performance mit einer ehemaligen Matratze (auch 19 Uhr).

3. Danach schnell, schnell weiter. Um 21 Uhr wagt sich Lois Bartel mit Unordentliche(n) Verhältnisse(n) in beunruhigend chaotische Hörwelten im Theaterdiscounter. In der Doppelvorstellung wirft Felix Lüke in Unser Herr Kießling oder: Gedanken zur Situation Deutschlands mit Lokalkolorit um sich. Er nimmt die Perspektive eines Berliner Politikers ein, woraus eine Stadtrundfahrt der besonderen Art entsteht. Hier der spaßige Trailer.

4. Im HAU 2 hagelt’s um 21 Uhr Sozialkritik – oder doch schon wieder Kunstkritik …? In Das Stück mit der Zweckmäßigkeitsfrage stellt ScriptedReality sich der Fragen von Zweck oder Zwecklosigkeit von Kunst im Kontext von ökonomischer Krise.

5. Um 23 Uhr gibt’s im Theaterdiscounter dann die Mitternachtssuppe. Also auch dafür ist gesorgt.

Wie komm ich an Karten?

Tickets für zahlreiche Veranstaltungen des Performing Arts Festival können über Reservix online gebucht werden. Die Ticketlinks hierfür finden sich bei den jeweiligen Veranstaltungen im Programm. Aber: Für einige wenige Veranstaltungen des Performing Arts Festival ist der Ticketkauf nur direkt über die Veranstaltungsorte/Gruppen möglich. Schaut also ins Programm. Am Wochenende lohnt es sich viel zu gucken: Beim Kauf von 3 Tickets gibt’s einen Rabatt von 10 % auf den Gesamtpreis, beim Kauf von 10 Tickets sogar einen Rabatt von 20%.

Wir wünschen ganz viel Spaß beim Festival!

Eure Unruhe Im Oberrang

Perfoming Arts Festival followed and powered by Unruhe:
Facebook: https://www.facebook.com/PerformingArtsFestivalBerlin/?fref=ts
Twitter: https://twitter.com/PAFBerlin (@PAFBERLIN, #PAFBerlin)
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„Our true inner self is full of shit.“ In „Privacy“ am HAU spielen De Warme Winkel & Wunderbaum mit den Grenzen der Intimität

Von Felix Krause und David Meiering

Was ist eigentlich das Private?

Das Stück „Privacy“ behandelt die Problematik des Privaten auf mehreren Ebenen, denn Wine Dierickx und Ward Weemhoff spielen nicht nur ein Künstlerpaar, die sich der Öffentlichkeit exponieren, sondern sind laut Programmheft auch in „Wirklichkeit“ ein Paar. Allein diese Konstellation wirft die wesentlichen Fragen des Abends auf, noch bevor er beginnt: Wo verläuft die Grenze zwischen Spiel und Realität? Spielen die beiden sich wirklich selbst? Gibt es so etwas wie „Authentizität auf der Bühne“ überhaupt?

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Zwischen Séance und Leichenschmaus – „Experimenting Müller“ am HAU

Von Marlene Schock und David Meiering

Eine Woche lang nimmt das HAU mit dem Festival Heiner Müller! die Kommunikation mit einem Toten auf: Heiner Müller.Wie viel dabei der Ikone des DDR-Theaters wirklich zugehört, oder doch eher mit sich selber gesprochen wurde, ob seine Leiche dabei genüsslich vernascht oder doch eher im Kerzenschein verehrt wurde – um das herauszufinden besuchten Marlene Schock und David Meiering den Performance-Abend „Experimenting Müller“.

Vier Stücke sind aus der Auseinandersetzung mit Heiner Müller entstanden, drei Performances und ein Film. Eine Stärke des Abends ist, dass trotz der Monothematik des Müller’schen Schaffens sehr verschiedene Aspekte herausgetrennt und in den jeweiligen Stücken behandelt wurden.

Vom Verlust der Utopie und der Einheit der Identität über die Ewige Antike, das Thema der Schuld und des gewaltsam entstellten Körpers bis hin zur Bearbeitung der (kommunistischen) Geschichte   Bruchstücke zahlreicher monumentaler Themenblöcke werden an diesem Abend in den Zuschauersaal geschleudert. Weiterlesen

Ein blassblauer Geist auf grauem Untergrund. In der Pilotveranstaltung der Reihe “Fearless Speech“ am HAU setzt sich Alex Demirović mit dem Foucaultschen Parrhesia-Begriff auseinander.

img_0608Gedämpftes Raunen erfüllt den brechend vollen Saal des HAU1. Der Flyer zur heutigen Veranstaltung – himmelblaue Schrift auf glänzend grauem Untergrund – raschelt verheißungsvoll in meiner Hand. Na gut, das ist vielleicht etwas übertrieben. Aber doch spricht schon der große Andrang dafür, dass an den Abend bestimmte Erwartungen geknüpft sind. Neben mir werden enthusiastisch Selfies gemacht. Und ja, auch ich habe den Termin schon vor Wochen in meinen Kalender eingetragen. Trotzdem weiß ich selbst keine unmittelbare Antwort darauf, worin meine Erwartungen eigentlich bestehen. Es geht also um Foucault. Der ist übrigens auch dem Flyer dabei abgebildet, wie er – den Kopf im Nacken – in ein Megaphon brüllt. Ein blassblauer Geist auf grauem Hintergrund.

Hierin liegt erst mal nichts Weltbewegendes, schließlich ist Foucault zumindest in den Geisteswissenschaften nach wie vor omnipräsent, um seine Diskursanalyse ist hier nicht herumzukommen, wohingegen die klassische marxistische Philosophie und die kritische Theorie mehr und mehr an den Rand gedrängt werden.

Wenn sich aber all diejenigen, die hier versammelt sind, jederzeit in eine Foucault-Vorlesung setzen können, wie lässt sich dann die gesteigerte Erwartungshaltung erklären, die unterschwellige Aufregung, die meinem Eindruck nach im Saal herrscht? Vielleicht liegt es daran, dass es sich bei dem Vortragenden um Alex Demirović handelt, einen Alt-68er, der immerhin noch als „echter“ Marxist zu begreifen ist und im Wissenschaftsbetrieb eine gewisse Underdog-Position inne hat.

Oder liegt es am Theater selbst, welches in uns die Erwartung weckt, dass hier etwas anderes als ein „bloßer“ Vortrag stattfinden wird? Weiterlesen

„Der Botschafter“ von Gintersdorfer/Klaßen im HAU – Demütigungstherapie in Dur

der_botschafter_01Botschafter und Theater: Zwei Experten der Repräsentation trafen gestern im HAU 2 aufeinander: Während für den Botschafter die Repräsentation zu den essentiellsten Aufgaben zählt, wie es die Schauspielerin Anne Tismer gleich zu Beginn des Abends in einer lässigen musikalischen (!) Einlage darlegt, sieht es das Theater im Berlin des 21. Jahrhunderts mit der Repräsentation nicht mehr ganz so eng. Weiterlesen

Die Geschichte wird zur Farce – „Le Capital et son Signe“ von der Gruppe d’ores et déjà im HAU

Von Gesche Beyer

 

„Was? Man stiehlt mir die Hälfte meines Lebens und die restliche Zeit bin ich eine Flasche?!“
Entrüstet springt Firmin, ein junger, bebrillter Mann mit rundem Gesicht und schläfrigen Augen auf und greift sich das in der Ecke stehende Gewehr.
„Zeigt mir den schnellsten Weg zur Nationalversammlung!“, brüllt er, überschäumend vor Wut und grimmiger Entschlossenheit. Im Publikum wird kreischend gelacht.

Zuvor hatte Firmin (ähnlich dem Publikum) lethargisch da gesessen und das hitzige Wortgefecht seiner Tischgenossen stumm verfolgt, mit offen stehendem Mund sein Unverständnis bekundend. Als „gemäßigter Republikaner“ hatte er sich eingangs vorgestellt. Dann war ihm von seinem Sitznachbarn unter Zuhilfenahme einer leeren Rotweinflasche die Marxsche Bestimmung des relativen Mehrwerts erklärt worden.

Wir schreiben den 13. Mai 1848 Weiterlesen

Die Selbstverwirklichung opfern? She She Pop’s „Frühlingsopfer“ im HAU 1

Der Abend ist nach dem eigenen Soundtrack benannt: Igor Strawinskys „Frühlingsopfer“. Ein Schlüsselwerk der Musik des 20. Jahrhunderts, in dessen Zentrum das Opfern einer Jungfrau für den Frühlingsgott steht. Die Auserwählte tanzt sich zu Tode. She She Pop performen den gleichnamigen Abend gemeinsam mit ihren Müttern, um der Frage nachzugehen: Wie viel „Opfer“ steckt eigentlich im Muttersein? Ist es nicht auch ein rituelles Menschenopfer, ein Kind zu gebären?

She She Pop lassen ihre Mütter erst einmal erzählen. Auf vier langen Bahnen erscheinen die Videos der Mütter. Sie stellen sich vor, erzählen ihre Biografie und was sich in ihrem Leben durch das Muttersein verändert hat. Wie selbstverständlich es beispielsweise damals war (die Mütter sind inzwischen im Rentenalter) mit der Schwangerschaft auch den Beruf aufzugeben und sich ganz der Familie zu widmen. Aber auch wie schwer das war, wenn man gerne gearbeitet hat und ein Kind alleine einem zu wenig Beschäftigung bietet. Weiterlesen